Art Projekte

Julia Hettas Vision von „Songen“ in Aizu: Die Entscheidung, die Kontrolle loszulassen.

Interview & Text:
IMA ONLINE
Präsentiert von Sigma

Im Rahmen des Residenzprogramms der Sigma Foundation reiste die Fotografin Julia Hetta nach Aizu in der Präfektur Fukushima, um ihren Bildband „Songen“ zu erstellen. Mit minimaler Ausrüstung tauchte sie in die Landschaft ein und richtete ihre Kamera auf Shin, ihren langjährigen Freund und Assistenten. Im Dialog mit der Natur, der Stille und dem gegenseitigen Respekt entschied sich Hetta, die Kontrolle abzugeben – ein Prozess, der sie zurück zu den Wurzeln ihrer fotografischen Praxis führte.

Fotografie: ©Mie Morimoto, mit freundlicher Genehmigung des IMA
Interview & Text: Ivan Vartanian

DIE AIZU-RESIDENZ

――Fangen wir mit der Aizu-Residenz an. Wie kam es dazu?

Im Rahmen des Residenzprogramms der Sigma Foundation wird jemand nach Aizu eingeladen, um dort fotografisch zu arbeiten. Die einzige Bedingung ist, dass die Aufnahmen in Aizu entstehen müssen. Abgesehen davon sind die Rahmenbedingungen völlig offen.

Ich wollte so offen wie möglich sein. Seit 15 Jahren arbeite ich oft mit präzisen Vorgaben. Für mich war es wichtig, die Kontrolle abzugeben. Also nahm ich meine alte Filmkamera und eine Digitalkamera mit. Ich reiste mit meinem besten Freund aus Kindertagen und meinem Assistenten Shin, der letztendlich zum Mittelpunkt der Geschichte wurde.

Als wir ankamen, begann ich, die Natur zu fotografieren. Dabei stellte ich eine große Ähnlichkeit zwischen Schweden und Japan fest. Zuerst herrschte herbstliche Stimmung, dann gingen wir in ein Naturschutzgebiet, wohnten in einer Hütte, und es schneite – ein Meter Schnee. Als ich hinausschaute, sah es aus wie in Schweden, aber es war nicht Schweden. Sehr verwirrend.

Mir wurde sehr schnell klar – schon am ersten Tag –, dass Shin nicht mitmischen darf. Ich muss ganz auf mich allein gestellt sein. Keine Hilfe. Ich muss es einfach selbst schaffen. Das war zum einen eine psychologische Herausforderung, alles selbst zu bewältigen, da ich bisher immer mit großen Teams gearbeitet habe. Also kehrte ich zu meiner Arbeitsweise zurück, wie ich sie hatte, als ich etwa 20 Jahre alt war.

――Erzähl uns etwas über Shin.

Ich habe angefangen, Shin zu fotografieren, der seit etwa zwei Jahren Teil meines Alltags in Stockholm ist, für mich aber immer noch ein kleines Rätsel bleibt. Seit er eines Tages einfach so in mein Leben getreten ist, ist er fast wie ein Engel, der von oben herabgestiegen ist. Es ist etwas ganz Besonderes passiert.

Ich war gerade in Paris, als mich eine Freundin, die Schuhdesignerin ist, anrief. Shin hatte ihren Showroom besucht und gesagt, sein Traum sei es, Assistent von Julia Hetta zu werden. Sie meinte: „Machst du Witze? Sie war gerade erst hier. Wir sind beste Freundinnen.“ Sie rief mich an, aber ich war von den Shootings erschöpft und auf dem Weg zum Flughafen. Ich lehnte ab.

Dann schrieb sie mir erneut, dass Shin wirklich darauf bestehe, nach Stockholm zu kommen, um einen Kaffee zu trinken. Ich sagte ja. Er kam an einem verschneiten Tag, und seitdem ist er schon über zwei Jahre geblieben. Vom ersten Tag an sagte ich: „Bleib einfach hier. Du kannst der Assistent sein.“

Auch wenn ich nicht weiß, ob er technisch gesehen der beste Assistent ist. Aber was er ist, ist jemand, der mir psychologisch immer hilft. Und das ist oft das, was man als Fotograf tatsächlich braucht.

Mit jeder Stunde, die ich in Aizu verbrachte, dachte ich: „Natürlich, deshalb bin ich hier.“ Ich bin hier, um ihn in seiner natürlichen Umgebung zu fotografieren. Alles fügte sich einfach zusammen. Manchmal hat man dieses Gefühl – dass einem ein Geschenk zuteilgeworden ist. Plötzlich wurde mir in Aizu klar: „Das ist ein Geschenk.“

Meine Fotografie ist der Grund, warum er in Stockholm ist. Und bei diesem Projekt ist er der Grund, warum ich in Japan fotografiere. Das allein ist schon eine wunderschöne Geschichte – fast wie ein Märchen für Erwachsene.

――Erzählen Sie uns etwas über den Titel.

Das ist ein Wort von Shin. Es ist ein japanisches Wort – sehr förmlich, ein Wort, das man beim Schreiben verwenden kann. Im alltäglichen Sprachgebrauch ist es nicht üblich. Es klingt etwas steif und förmlich.

Als ich den Titel „Songen“ sah, dachte ich: „Oh, das muss ein schwedisches Wort für ‚Singen‘ sein“ – „Sången“. Es ist tatsächlich schwedisch. Es ist brillant, dass es sowohl japanisch als auch schwedisch ist. Ein glücklicher Zufall.

Im Englischen kommt dem vielleicht „gegenseitiger Respekt“ oder „Würde“ am nächsten. Man kann „Songen“ für sich selbst verwenden, aber auch für eine andere Person.

Shin hat dieses Wort schon immer benutzt. Sogar in Stockholm, schon in den ersten Wochen. Das war ein Grund, warum ich ihn für einen so besonderen Menschen hielt – er war jung, benutzte aber Begriffe, die ich von jungen Leuten selten höre.

Als er meine Fotografien zum ersten Mal sah, sprach er von Stille und Zeit und Würde und Schönheit, aber auch von Dunkelheit, Traurigkeit und Poesie. All diese Dinge, die mir wichtig sind, mit denen ich mich hoffentlich auseinandersetze, an denen ich aber manchmal zweifle. Als er das sagte, spürte ich, dass es echt war. Solange es für ihn echt war, dachte ich, dass das vielleicht schon reichen würde.

――Wie verlief der redaktionelle Prozess?

Als Gregor die Idee hatte, den Text auf Shins Worte zu stützen, fragte er mich: „Hältst du das für eine gute Idee?“ Ich sagte: „Genial.“ Die Art, wie Shin spricht und Dinge erklärt – er ist noch recht jung, aber manchmal habe ich das Gefühl, er hätte schon ein anderes Leben hinter sich. In seiner Art zu sprechen wirkt er reifer. Er denkt wirklich nach und sagt dann in nur einem Satz etwas sehr Eindrucksvolles.

Shin ist einer der großzügigsten Menschen, die ich kenne. Er respektiert mich und meine Fotografie wirklich sehr.

Wir fuhren an verschiedene Orte in Aizu. Zuerst in ein Ryokan. Ich wusste, dass das Licht dort besonders schön ist. Ich mag die Materialien – Samt oder Holz – schon immer sehr. In meiner Fotografie sind Materialien wirklich wichtig. Man muss das Wasser, die Oberfläche, das Papier fast schon spüren können.

Dann fuhren wir in ein Naturschutzgebiet und mieteten eine Hütte. Dort schneite es so viel – einen Meter. Wir saßen fest. Ein Bild entstand tatsächlich an einer Tankstelle. Ich wollte mir klarmachen: Okay, ich brauche kein Set-Design. Ich brauche kein Team. Ich bin gut in der Fotografie. Ich kann ein Porträt an einer Tankstelle machen.

――Deine Ästhetik deutet auf etwas Tieferes, Dunkleres, Unbenanntes hin.

Das ist wunderschön. Ich hatte schon immer eine Hass-Liebe-Beziehung zur Schönheit, zu schönem Licht und zur Ästhetik. Ich finde, es sagt einiges aus, dass ich an eine Tankstelle gehe und genau das ist das Ergebnis. Mir ist einfach klar geworden, dass es ein sanftes Licht ist, und das zieht mich an. Aber ich möchte eine gewisse tiefe Dunkelheit haben. Das ist wichtig. Sonst wird es zu romantisch. Es muss fest in der Erde verwurzelt sein.

In der Hütte fand ich das einfach so schön – eine solche Ästhetik gerade in einer Hütte im Wald. Das ist so typisch für Japan, dass man schon in einer einfachen Hütte wunderschöne Materialien und herrliches Holz finden kann. Und dann die Berge drumherum – Berge an sich bedeuten schon so viel. Das war also wichtig einzufangen.

ZURÜCK ZU MEINEN WURZELN

――Inwiefern unterscheidet sich das von Ihren anderen Werken?

Es war anders, weil nur ich, meine Kamera und mein bester Freund als Unterstützung dabei waren. Aber es hat mich auch zu der Art des Fotografierens zurückgebracht, wie ich es zu Beginn gemacht habe. Am Anfang habe ich meinen jüngeren Bruder fotografiert, der zehn Jahre jünger ist als ich. Ich habe ihn in bestimmte Situationen gebracht – in der Natur oder in Räumen –, habe ihn aber dennoch angeleitet. Ganz ähnlich wie bei dieser Arbeit.

Das ist auch eine Geschichte für sich – mein Bruder hat mich später in die Modefotografie eingeführt. Nachdem ich an der Kunstakademie Kunstfotografie studiert hatte, brachte er mich zur Mode, weil er bei der französischen „Vogue“ arbeitete. So habe ich mit der Modefotografie angefangen.

Das dauerte sechs Tage. Das war stressig, weil ich als Fotografin bekannt bin, die sich für Bilder und Projekte sehr viel Zeit nimmt. An einem Tag mit einem Kunden mache ich maximal acht Bilder. Es war also eine Herausforderung. Aber als Greger mich fragte, dachte ich mir: Ich bin jetzt alt genug, um mutig zu sein.

Für mich ist das Teil der Auseinandersetzung, die ich seit der Pandemie mit mir selbst führe – mich zu befreien und offener zu sein. Ich war bei meiner Fotografie immer sehr vorsichtig. Aber ich versuche jetzt, mich mehr zu öffnen, mehr zu erforschen, vor allem auf psychologischer Ebene.

Zurück zu meinen Wurzeln – nur ich und die Kamera, um persönlichere Arbeiten zu schaffen. In den letzten drei Jahren habe ich drei Bücher realisiert. Dies ist eines davon. Sie waren alle wichtig, weil ich ziemlich mutig war. Es war nicht einfach, und sie waren eher für mich selbst gedacht. Etwas Persönliches, ohne mir Gedanken über das Ergebnis zu machen.

Vor sechs Jahren hätte ich zu diesem Projekt nicht Ja gesagt. Ich hätte zu viel Angst gehabt, kein schönes Buch zu schaffen. Ich hatte zu viel Respekt vor der Fotografie an sich. Ich habe immer noch sehr viel Respekt vor der Fotografie als Medium. Aber ich war an einem Punkt angelangt, an dem ich aufgrund meines Respekts vielleicht zu ehrgeizig war.

Bei persönlichen Arbeiten geht es also darum, den Druck abzubauen, nichts zu erzwingen und keine Agenda durchzusetzen. Die Dinge sollen ganz natürlich geschehen. Wenn ich mich auf mein Wissen verlasse, schaffe ich vielleicht drei Bilder in sechs Tagen ganz allein. Und wenn es ein Buch mit drei Bildern ist, sollten diese wirklich gut sein.

――Auch wenn Shin das Motiv ist, geht es hier doch sehr stark um dich.

Ja, das stimmt. Und ich glaube, er spiegelt mich wider. Vielleicht war ich deshalb so von ihm angezogen, und vielleicht ging es ihm genauso mit mir, weil wir uns gegenseitig widerspiegeln. So muss man es mit Menschen halten, denen man begegnet und bei denen man sofort spürt, dass da etwas sehr Interessantes ist.

Wenn ich an diese sechs Tage zurückdenke, sehe ich diese Bilder vor mir. Das ist es auch, was Fotografie ausmacht. Man schafft sich seine eigenen Erinnerungen. Was in gewisser Weise fast beängstigend ist oder sogar gefährlich sein kann. Es kann aber auch sehr schön und interessant sein.

Ich bin immer sehr präzise, und das sieht man in meiner Fotografie. Aber vielleicht ist es genau das, was ich zu beschreiben versuche – dass ich versuche, nicht so zu sein. Ich versuche, meiner Seele näherzukommen, und die ist niemals statisch – sie kann sich bewegen.

Es ist ein großes Glück, jemanden zu treffen, mit dem man zusammenarbeiten kann und den man gegenseitig respektiert. Darin wächst man wirklich. Und ich hoffe, dass das bei uns beiden der Fall ist.